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Arnasa 01

El Castillo Etxauzia de Baigorri fuente de inspiración de Irantzu Lekue para la serie “Arnasa 01”

Los elementos más antiguos del castillo datan del siglo XI. Fue requisado por los nazis en la II Guerra Mundial, alojó a Charles Chaplin y fue propiedad entre otros, de la actriz Eleanor Boardman

Estrechamente ligado a varios acontecimientos de la historia navarra la campaña de la asociación Etxauzia tiene como objetivo la compra del castillo para destinarlo a fines culturales y de promoción económica de la zona


GASTEIZ. La muestra se compone de seis cuadros de gran formato que tienen como centro al Castillo Etxauzia de Baigorri “su historia y su entorno, su pasado, su presente y también su futuro, ligado al proyecto Etxauzia que ha nacido para revitalizarlo, como lanzadera de sueños e ilusiones”. Del castillo existen referencias desde el siglo XI y ha estado estrechamente ligado a varios acontecimientos de la historia navarra. El proyecto comenzó con la estancia de la artista vasca Irantzu Lekue en Baigorri, “con el contacto con sus gentes y con su entorno”. Así durante varios días desarrolló obras paisajísticas y figurativas del entorno de Etxauzia “reparando en el entorno, en las vistas de Etxauzia o en el pueblo desde las viñas que lo rodean”, explica Lekue. “Un marco idóneo para crear” del que emana la serie Arnasa 01 donde las obras están creadas en técnica pictórica mixta a través de una pincelada dinámica, “similar a la impresionista, que representa la fugacidad de la luz en el instante a plasmar in situ”.

La segunda fase del proyecto ha sido, en cambio, desarrollada en el taller de la artista. “La idea inicial era la de trasladarme a la costa para enlazar el interior con el mar, con el escenario de la migración de miles de personas de Zuberoa o la Baja Navarra a otros lugares y indagar en la conexión que realiza Etxauzia entre ambas”, afirma. Sin embargo, las constantes lluvias impidieron la ejecución de obra en el entorno natural y, de este modo, la obra formada por cuatro lienzos que forman un conjunto pictórico de 4 x 2 metros, “representa un mundo imaginario, proveniente de los sueños, surrealista, que unifica mar e interior a través de un castillo translúcido que alberga en él el encuentro de la diáspora, la historia del lugar, un pueblo y una cultura”.

Proyecto inspirador

Etxauzia o Etxauz fue propiedad de Harry d’Abbadie d’Arrast, asistente de Charles Chaplin, guionista y director de cine en Hollywood durante los años veinte y treinta del siglo XX pero, a día de hoy es propiedad de un matrimonio afincado en Miami. Los ciudadanos de la comarca están decididos a comprarlo y al proyecto se han unido escritores como Bernardo Atxaga, Harkaitz Cano, Itxaro Borda, Katixa Agirre o Marie Darrieussecq; cineastas, como Oskar Alegria, Aitor y Amaia Merino o Sylvie Garat; bertsolaris como Maialen Lujanbio, Miren Amuriza o Amets Arzallus; y artistas como Santos Bregaña, la propia Irantzu Lekue, Alicia Otaegui, Marga Berra Zubieta o Nerea de Diego. El científico Pedro Miguel Etxenike, los directores de teatro Fernando Bernués y Mireia Gabilondo, los dantzaris Jon Maya y Oier Araolaza, o músicos como el ex ‘Oskorri’ Natxo de Felipe, Mursego, Joserra Senperena, Joseba Tapia y Juantxo Zeberio.

La vocación de esta iniciativa apoyada por estos artistas es la de convertir el Castillo de Etxauz en un espacio expositivo interactivo sobre la propia historia del castillo, así como del patrimonio cultural navarro, mediante un programa de visitas multilingües, conferencias, exposiciones y excursiones. También en una mediateca, así como en un centro de archivos y de investigación genealógica. El proyecto también se adentra en otros ámbitos. Nace con la intención de convertirse en un «punto de encuentro entre los navarros y la diáspora vasca para promover los intercambios y los reencuentros, facilitar la investigación genealógica y ofrecer un lugar de acogida». En palabras de los responsables de la asociación, «queremos ser la madre de las euskal etxeas repartidas por todo el mundo». En este sentido, el servicio de genealogía que ofrecerá Etxauzia reviste especial interés para los vascos de la diáspora.

Para conseguirlo la asociación Etxauzia consiguió reunir más de 100.000 euros de 2.500 aportaciones en una primera fase de la campaña. Ahora y hasta septiembre, tratará de conseguir otros 400.000 que sirvan para abonar el adelanto de la compra del castillo y para poner en marcha el programa de actividades que acogerá el futuro centro ubicado en Baigorrri. Por de pronto, se ha marcado el objetivo que llegar a entre 15.000 y 20.000 donantes.

El Castillo de Etxauz está situado en un promontorio rocoso de Baigorri -a 36 kilómetros de Bayona-, ha pasado buena parte de la historia de la Baja Navarra de los últimos diez siglos. Aunque sus elementos más antiguos datan del siglo XI, «el castillo fue ampliamente reconstruido a finales de siglo XVI y el interior reorganizado en los siglos XVII, XVIII, y posteriori ente en el siglo XIX». Con una planta de 400 metros cuadrados, el castillo consta de dos plantas, más una bodega y una ganbara. Además, dispone de unas tres hectáreas de terreno que permitirían la celebración de actos al aire libre.

Abelbideak: Transmedia Experience

ABELBIDEAK: Transmedia Experience

 ABELBIDEAK: Transmedia Experience

OLATU TALKAK DSS2016

Viaje transmedia para analizar las diversas manifestaciones artísticas y culturales en un viaje que comunica las dos capitales culturales europeas de la cultura: Wroclaw (Polonia) y San Sebastián (Guipúzcoa).

Abelbideak transmedia experience

“Abelbideak: transmedia experience” es una metáfora lírico artística del camino. De la vida. Un proyecto itinerante con dos grandes fases; que primero andará y después experimentará.  Un proyecto que busca en las raíces del arte las fórmulas para saciar la necesidad de relatar, de contar, de exteriorizar. Un proyecto que cada usuario reinterpretará.

“Bideak, errepideak, galtzadak, gurpideak, xenderak, abelbideak, estartak… Nondik eta nora doaz hain mutu?

Batzutan hartu egiten ditugu.

Gehienetan bideek hartzen gaituzte gu.

Denonak dira? Edozeinenak dira? Ala ez dira inorenak?

Bide laburrik ez da. Beste batzuk luzeagoak dira.”

Hitzen ondoeza

Joseba Sarrionaindia

“Caminos, carreteras, travesías, veredas, senderos, atajos, calzadas, desvíos… 

¿De donde vienen y a dónde van tan silenciosos?

Algunas veces los cogemos. Otras veces nos atrapan.

¿Son de todos? ¿Son de cada uno? ¿O no son de nadie?

No hay caminos cortos. Otros son más largos todavía. 

Hitzen ondoeza

Joseba Sarrionaindia

Abelbideak transmedia experience
Abelbideak transmedia experience

Página web del proyecto: http://abelbideak.eu

"Violencia, genocidio y destrucción". Instalación artística sobre los conflictos y crisis de refugiados.

LARGOS CAMINOS

JALGI- AMURRIO (ÁLAVA)

LARGOS CAMINOS

(Instalación objetual, fotográfica y pictórica)

“Largos caminos” es una reflexión sobre el actual conflicto en Siria y analiza la crisis de refugiados, junto a otros conflictos y exilios cercanos en nuestra Historia, para criticar la crueldad del ser humano por meros intereses económicos, políticos o religiosos.

Mediante instalaciones objetuales, fotográficas y pictóricas, la artista realiza una denuncia social sobre las vivencias que han vivido y viven actualmente multitud de personas. Un análisis sobre la carga sentimental que están obligadas a portar durante el resto de sus vidas.

La muestra, denuncia la actual situación, relacionándola con diversos conflictos que han tenido lugar en el siglo XX, así como la Primera y Segunda Guerra Mundial, la guerra civil, los conflictos en sudáfrica, en Ukrania o en Irak, entre otros.

En todos los casos, es una conducta que se repite constántemente, al igual que una espiral de destrucción constante.

"Largos caminos" instalación objetual y fotográfica. Intervención sobre tres ruedas de carro antiguas

NO HAY CAMINOS CORTOS,

OTROS SON MÁS LARGOS TODAVÍA

Basada en la célebre frase de Joseba Sarrionaindia, la obra reflexiona sobre el camino, mediante tres ruedas antiguas que marcan la experiencia. En sus radios, imágenes de diversos caminos, en los que  no se percibe el final.

En el tránsito de una  rueda a otra, se podrá observar que el camino se va complicando, hasta llegar a fronteras valladas, muy difíciles de atravesar.

"Violencia, genocidio y destrucción". Instalación artística sobre los conflictos y crisis de refugiados.

VIOLENCIA, GENOCIDIO Y DESTRUCCIÓN

Esta pieza analiza los conflictos que han tenido lugar en el siglo XX y XXI, estableciendo similitudes entre ellos. De este modo, recuerda que  todo conflicto viene provocado a consecuencia de intereses políticos, económicos o religiosos y que en ellos siempre sufren las clases menos implicadas.

La pieza está formada por un farol antiguo retroiluminado, que alumbra imágenes de violencia, genocidio y destrucción captadas en diferentes conflictos y que giran al igual que un zootropo, sin detenerse. De este modo simboliza un círculo vicioso que nunca acaba, en cuyo centro se encuentra el dinero y el poder.

EL PESO DEL PASADO

Cuatro maletas llenas de piedras representan metafóricamente el peso que deben arrastrar las personas que sufren el conflicto. Una carga pesada que siempre llevarán consigo.

Debajo de ellas, multitud de huellas de pasos que vienen y van, huyendo y retornando a los horrores vividos.

"El peso del pasado". Instalación objetual con maletas, piedras y huellas, que representa la carga metafórica que deben soportar las personas que han vivido un conflicto.
Obra pictórica que representa una máscara. La máscara del miedo. El bien y el mal, las decisiones.

MIEDO

Obra pictórica que versa sobre el miedo al tomar una decisión drástica que cambiará el futuro. En la obra se representa una máscara. Uno de sus ojos está cerrado, no pudiendo observar más alternativas. El otro, oscuro y desafiante, muestra la oscuridad durante la toma de decisión y la incertidumbre de lo que depara.

Proceso de cicatrización. Tríptico de pintura al óleo. Técnica mixta.

DOLOR

Tríptico “Proceso de cicatrización” que puede leerse en ambos sentidos. Una herida que se va abriendo o una herida que cierra. La composición de estas tres obras pictóricas analiza el dolor, la superación de un conflicto o el surgimiento de otro. Aunque vaya sanando, siempre quedará la cicatriz del dolor sufrido.

"En la cuerda floja" y "Das la mano y te cogen el brazo" Foto-secuencias introspectivas.

EN LA CUERDA FLOJA & DAS LA MANO Y TE COGEN EL BRAZO

Dos foto-secuencias ilustran los sentimientos que se viven al estar inmerso en un conflicto. “En la cuerda floja” habla sobre la inestabilidad física y emocional y “Das la mano y te cogen el brazo” versa sobre la confianza, la desesperación y la traición.

"Caerse y volverse a levantar" y "Comiendo bolitas hasta reventar". Foto- secuencias introspectivas. Jalgi.

CAERSE Y VOLVERSE A LEVANTAR &

COMIENDO BOLITAS HASTA REVENTAR

Otras dos foto- secuencias que vuelven a ilustrar esos sentimientos vividos al estar inmerso en un conflicto, sea físico o emocional; o ambos juntos. Ante un error o una mala decisión, sólo queda levantarse de nuevo y volver a empezar. De esta realidad habla “Caerse y volverse a levantar”. Los mayores aprendizajes en la vida surgen del error o del fracaso y nunca podemos dejarnos vencer.

“Comiendo bolitas hasta reventar” narra el proceso en el que no hay otra alternativa que tragar con lo que viene. La desesperación de esperar y ceder hasta que no se aguanta más.

Hambre I. IndiaSensations

IndiaSensations

IndiaSensations

INSTALACIÓN, FOTOGRAFÍA, PINTURA, ESCULTURA, ARTE ACCESIBLE

 

IndiaSensations recoge las sensaciones y sentimientos experimentados en un viaje a India.

Con esta exposición, ha querido invitar al espectador a reparar en sus sentidos. A oler, mirar, escuchar y tocar para sentir los matices de cada obra.
Durante el último año, ha trabajado con proyectos orientados al arte accesible. Por ello, ha querido continuar en la misma linea y que esta exposición supere las barreras de las personas con necesidades especiales, apostando por el arte inclusivo.
Combinando obras escultóricas, matérico- pictóricas, sonoras, olfativas e instalativas (para que el espectador se sumerja en una amplia gama de sensaciones vividas en India), analiza la condición de la mujer en este país y el sistema de castas. Para ello ha creado 12 obras accesibles que ponen en cuestión algunos elementos de nuestra propia cultura.

Las injusticias sociales de ambos continentes están activas por el egoísmo y manipulación de los más pudientes, social, política o económicamente . Por otro lado, la situación de la mujer en India es desoladora. El sometimiento de la mujer en este país está consentido por la tradición, reduciéndolas al servicio de sus familias o maridos. Un patriarcado que las confina en casa a las labores domésticas y la crianza de los niños. Esto le ha hecho cuestionar la cultura Occidental, donde el patriarcado sigue también vigente en la sociedad. De ahí los abusos hacia las mujeres y en muchas ocasiones el sometimiento y la continua observación de la mujer como pura mercancía sexual o salarios basados en la discriminación, entre otros muchos ejemplos.

Desde su perspectiva de mujer occidental, ha querido cuestionar el papel de la mujer en la sociedad y cómo, a través de viejas “y caducas”costumbres la mujer vive en los diferentes continentes “de forma sumisa, sin considerarse igual”. También ha reparado en el sistema de castas, “una organización social basada en la pertenencia a un grupo social desde el nacimiento hasta la muerte, en el que la persona asume, acepta, traga lo que le ha sido asignado y que sirve para que todo siga igual de injusto. Para que nada cambie.

Ha querido promover el arte inclusivo, porque para ella, el arte es como una gema, un precioso diamante que hay que pulir mucho y que cada persona percibe de una manera única, personal, e intransferible”. Ese es el motivo que le ha llevado a romper sus propias barreras mentales y permitir que el público pueda tocar las obras “terminar con esa visión exclusivista del arte, con ese halo de intocable. Ha querido convertir este proyecto en una sensación, un reflejo que será indefectiblemente personal.
Lleva más de un año experimentando sobre cómo diseñar sus obras para que sean accesibles, una fase a la quiso dar comienzo en India. Crear no sólo observando, sino pensando en que las obras sean palpadas, escuchadas u olidas. Que la esencia de los sentidos se plasme en la obra artística, para que de este modo llegue a todas las personas.

La cultura occidental y la hindú convergen así en una mezcla de contrastes, tradiciones y diferencias sensoriales que invitan al espectador a vivir una experiencia crítica y sensorial.

CAMINO PREDESTINADO

El suelo, lleno de arena, marca un único camino a seguir en la sala. Este camino, variable por el espectador, con el fin de crear nuevos caminos, nuevas trayectorias fuera de la establecida, nos llevará a través de la superficie hasta un ranguli; un dibujo tradicionalmente diseñado por las mujeres hindúes. La obra tiene por objetivo llamar a la interacción del espectador variando el camino marcado, preestablecido para todos los hindúes desde que nacen; especialmente las mujeres.

Sala II IndiaSensations

RANGOLI

Pintura tradicional hindú creada por las mujeres a las entradas de sus casas para llenar los espacios de prosperidad. Se realiza en el “Diwali”; la fiesta de las luces. La obra tiene por objetivo por un lado, aludir a los rituales y creencias de la India, por otro, dar importancia a las labores creativas de la mujer hindú.

Ranguli IndiaSensations

PENSAMIENTO ÚNICO

Este árbol no posee ramas, no crece hacia arriba, sino hacia abajo. Sus ramas formadas por embudos nos llevan hacia el interior, anulando la propia evolución. Cada rama, es un embudo, por el que todos tenemos que pasar si queremos ser parte de esta sociedad. Se trata de una alegoría del pensamiento único, la anulación de lo diferente, la imposición de unos valores estructurales que impiden la evolución de la persona.

Medidas: 36 x 36 x 36 cm.

Técnica mixta

pensamiento-único. IndiaSensations

INTERESES DE CLASE

Esta pieza táctil invita al espectador a sentir los intereses de la diversas clases sociales. Realiza una crítica y alude a que si abrimos los sentidos, llegaremos al entendimiento social; si rompemos estas barreras sociales y aunamos intereses, llegaremos al fin de la guerras.

Esta pieza alude a otra frase de Ghandi:

“El verdadero progreso social no consiste en aumentar las necesidades, sino en reducirlas voluntariamente; pero para eso hace falta ser humildes”.

Medidas: 84 x 45 x 5´5 cm.

Técnica mixta

diferencias-de-clase. IndiaSensations

HAMBRE

Aunque el índice de hambre ha mejorado este año en India, mucho porcentaje de la población sigue en pobreza extrema, no teniendo si quiera con qué alimentarse. Esta pieza pone el hambre de manifiesto.

A pesar de que en India se acostumbra a comer con las manos, la cuchara siempre ha representado la clase obrera, y una cuchara hacia arriba, vacía, representa el hambre, la ausencia de alimento. Una hilera de cucharas, instrumentos para comer cóncavos, pedirán comida al espectador a lo largo de la sala.

Hambre II. IndiaSensations
Hanbre. IndiaSensations
Hambre I. IndiaSensations

GHANDI LLORA POR LA INJUSTICIA

Esta obra pictórico- escultórica, representa a Mahatma Ghandi, cuyo ojo lloroso está tapado por la injusticia. Llora por la injusticia de clases, por el mal uso del capital, y por el desmembramiento social que supone esta situación social. Llora por la falta de humildad y de humanidad.

Medidas: 115 x 82´5 cm

Técnica: Mixta

Ghandi-llora-por-injusticia. IndiaSensations

VÓRTICE DE INJUSTICIA

Obra matérico pictórica en la que se representan las diversas clases sociales a través de diferentes telas al tacto. La actual crisis económica afecta sobre todo a la clase media- baja, que se deshincha, filtrándose y creando un torbellino de injusticia. La cuerda está tensa, y mientras, la primera clase se esconde tras una barrera. La injusticia reina en nuestra sociedad.

El texto ilustra esta frase de Mahatma Ghandi:

“El capital no es un mal en si mismo, el mal radica en su mal uso.”

Medidas: 116 x 82´5 x 7 cm.

Técnica mixta

vortice-de-injusticia. IndiaSensations

CONDENA

La vestimenta típica de la mujer en India es el sari. Esta tela tejida o estampada con diferentes motivos, mide más de 5 metros de largo y se utiliza para envolver a las mujeres hindúes. Bajo esta costumbre, se sitúa la condición que soporta la mujer en este país. Con mi regreso de la India traje conmigo un sari, que se convertirá en parte de la instalación mediante la forma de una horca. A esta le acompañará un cuenco con pigmento rojo para pintarse el siindor, una marca en la frente de las mujeres casadas.

Esta obra alude a la matanza o abandonode niñas que se realiza en India por incapacidad por parte de sus padres del pago de la dote. Además, las mujeres de este país siempre pertenecen a alguien. Desde su nacimiento, a sus padres y según se casan, (casi siempre matrimonios acordados y negociados por sus padres), pasan a depender de sus maridos. Se trata a la mujer como si fuera una propiedad y esa es su condena. Por ello, la horca del sari representa la condena de la mujer.

Condena. IndiaSensations

LA MUJER EN INDIA

La vida de la mujer en India. Su condición y su sumisión.

La-mujer-en-India-I. IndiaSensations
La mujer en la India III. IndiaSensations
La-mujer-en-India-IV. IndiaSensations
La-mujer-en-India-II. IndiaSensations
La mujer en la India V. IndiaSensations
La mujer en la India VI IndiaSensations

HERIDA

Esta obra matérico- pictórica, perteneciente al tríptico “Proceso cicatrización”,  representa una herida abierta. De este modo, hace alusión al sufrimiento con el que viven las mujeres en India y en el resto del mundo. Como toda injusticia, es una lesión abierta que se debe suturar.  Supone una crítica  a la situación en la que se encuentra la mujer, simplemente por el hecho de serlo.

Zauria. IndiaSensations

SUMISIÓN

Un látigo de camello amenazante sobre una escoba hindú. Cada objeto correspondiente a un género. Se trata de una metáfora del maltrato y de la sumisión de la mujer.

Sumisión. IndiaSensations

LA ÉLITE Y EL CAOS

Esta obra analiza el aislamiento que provocan los hoteles o espacios reservados a las élites, con respecto al exterior donde reside la pobreza y el caos.

Esta sensación es muy potente, ya que, al introducirse en estos lujosos espacios, parece que estás en otro lugar, en otro tiempo; hacen desconectar de la realidad del exterior.

Esta sensación se plasma en la obra mediante un habitáculo aislado en la sala expositiva. Dentro de él, un espacio acomodado, lleno de lujo, de objetos de mucho valor, como pashminas, espejos, un sillón forrado en terciopelo, y un audiovisual que proyecta videos propagandísticos de hoteles de primera clase en India, acompañado de músicas relajadas y folclóricas propias de un Maharajá.

En el exterior, sin embargo, se muestran multitud de imágenes de pobreza, del estrés causado por el tráfico, de los mercados abarrotados de gente, de la insalubridad. En las calles bulle la vida y la muerte, todo está a la vista y nada se esconde.

El suelo cubierto de arena y la ambientación sonora es estresante, una mezcla de pitidos de coches, una melodía tradicional cantada por una niña abandonada hindú, músicas tradicionales, músicas de culto y de encantadores de serpientes, vacas, trenes; caos. Una mezcla que causa estrés y extrañeza al espectador y que, al introducirse en el habitáculo de élite, varia por completo su sensación, experimentando el contraste.

Lujo I. IndiaSensations
Lujo III. IndiaSensations
Lujo II. IndiaSensations
KaosI. IndiaSensations

La esvástica que precede la sala del lujo es un símbolo muy recurrente en la cultura hindú, budista y jainista. En el budismo, debido a la utilización de este símbolo por parte del nazismo, se utiliza en posición levógira, en contra del sentido de las agujas del reloj y simboliza el todo, la eternidad o los 4 elementos: fuego, tierra, agua y aire.

En el Hinduísmo, la esvástica se encuentra por todas partes en los templos de la religión hindú, así como en símbolos, altares, escenas e iconografía en

India y Nepal, tanto en el pasado como en nuestros días. En el hinduismo, los dos símbolos representan las dos formas del Brahman (el concepto impersonal de Dios). En sentido de las agujas del reloj representa la evolución del universo (pravritti), representada por el dios creador Brahmá mientras que en sentido antihorario representa la involución del universo (nivritti), representada por el dios destructor Shivá. También se puede ver de qué manera apunta hacia los cuatro puntos cardinales, simbolizando así estabilidad. Su empleo como símbolo solar puede verse en la representación de Suria, dios del Sol para los hindúes. Viene usándose como señal de buena suerte. También se concibe como un símbolo de poder y son populares las versiones que asemejan la esvástica a la figura de un hombre. Hasta hoy se utiliza en los iantras y en motivos religiosos hindúes. Puede apreciarse en los muros de los templos por todo el subcontinente indio. También puede encontrarse en las notas que acompañan los regalos personales y en el encabezado de las cartas. La esvástica se tiene por un símbolo sagrado y de buen auspicio entre los hindúes. Se usa normalmente en la decoración de todo tipo de elementos relacionados con la cultura hindú. El dios Ganesha está asociado con el símbolo de la esvástica. Su uso está ampliamente extendido en la India y Nepal.

Por último, en el Jainismo el motivo de la esvástica se combina con el de una mano.

entrada-Lujo. IndiaSensations
Dancing 2gether

Dancing 2gether

Dancing 2gether

ACUARELA Y FOTOGRAFÍA

 

La exposición “Dancing 2gether” está inspirada en el proyecto pedagógico Dance2gether, de la compañía holandesa De LooPERS, con la colaboración del Colegio Samaniego Ikastetxea y de la capitalidad europea de la cultura Donostia 2016.

 El proyecto Dance 2gether va de la mano de la danza comunitaria y nació de la idea de que la danza influye positivamente en el alumnado. Enriquece su desarrollo personal y social, además de favorecer actitudes positivas hacia el aprendizaje conjunto. Para ello, artistas de la compañía de danza DE LooPERS, compuesta por los bailarines y coreógrafos Wilfried van Poppel y Amaya Lubeigt, prepararon la coreografía y lideraron los ensayos junto con la colaboración de un grupo de voluntarios que les apoyaron en su trabajo.

La artista Irantzu Lekue acudió también a dichos ensayos y los aprovechó para plasmar sus sensaciones, reflejadas en colores, pinceladas y formas. Fruto de aquellos días nace la exposición Dancing 2gether.

Cartel-expo-Dancing-2gether
Dancing 2gether

El proyecto pretende estimular a la comunidad educativa a incluir de manera normalizada disciplinas artísticas o procesos de innovación pedagógica dentro de su proyecto curricular, como herramienta útil y creativa para el desarrollo completo del alumnado. En definitiva, es una manera útil para desarrollar la inteligencia musical, la espacial, la corporal cinestésica, la intrapersonal y la interpersonal.

A través de esta coreografía se ha fomentado el respeto por la dignidad y los Derechos Humanos como ejes para la resolución de conflictos y la creación de nuevos modos de gobernanza. Dance2gether pretende así fomentar y trabajar valores como el compañerismo, la igualdad, la cooperación, el trabajo en equipo, la solidaridad, la creencia en el potencial de uno mismo o la capacidad de creación.

Durante aquella intensa semana de mayo, el alumnado dejó los libros y guardó los lápices de las clases lectivas para volcarse por completo en esta actividad que presentaron en el teatro Félix Petit

Dancing 2gether
Dancing 2gether expo
Dancing 2gether expo
Dancing 2gether expo
Rangoli Krea

Rangoli KREA

Rangoli KREA

INTERVENCIÓN EN EDIFICIO KREA

 

Realización de un mural en el suelo de la entrada del edificio Krea, actualmente abandonado. Este edificio destinado a la creación emergente, supuso 18 millones de euros  de inversión de dinero público y de la obra benéfica de la Caja Vital Kutxa. Hoy en día no hay proyectos destinados a la creación y menos, la emergente.

Con el fin de otorgar prosperidad al espacio,a la creación y al arte en Vitoria- Gasteiz, la artista se coló en los jardines del recinto vallado y pintó en la entrada de Krea, una pintura típica de la cultura indú, un rangoli; una pintura de formas circulares y orgánicas , característica por sus vivos colores y creada con polvo de arroz, pigmento y agua. Las mujeres de la India, realizan estos motivos cada fin de año, en la entrada de sus casas, y los rodean con velas, en la fiesta de las luces, el Diwali. Todo, con el fin de invocar a la Diosa Laksmi para que impregne de suerte el lugar. De igual forma, la artista invocó a esta diosa en este espacio abandonado de Vitoria Gasteiz, con el fin de proporcionar al arte, la cultura y a este edificio prosperidad  en el nuevo año.

Rangoli Krea
Rangoli Krea
Rangoli Krea
Montaje Huellas de identidad

Se hace camino al andar

SE HACE CAMINO AL ANDAR

FOTOGRAFÍA

 

Proyecto compuesto por las siguientes obras:

Montaje Huellas de identidad

Huellas de identidad

Primer Premio del jurado Videotalentos

Fundacion Banco Santander Madrid

Huellas de identidad reflexiona sobre la importancia de las relaciones inter-personales en la conformación de nuestra propia identidad.

Golpes alternos

Finalista en Concurso “Un Imaginario de la escultura”

Pertenece a la colección del Museo Nacional de la Escultura de Valladolid.

Un mundo creado por mecanismos que lanzan y volatilizan imágenes del pasado, al igual que el recuerdo en nuestra mente. La obra reflexiona sobre los golpes que nos da la vida; a cada momento difícil de la existencia.

Golpes alternos. Foto de cortometraje "Sentimientos alternos" bio

Sentimientos alternos

Mención especial en Concurso “Beldur Barik”

Con la obra “Sentimientos alternos”, represento sensaciones

y sentimientos a través de ocho series de foto-secuencias, reproducidas a través de un mecanismo, lanzadas como si de una guillotina se tratase.

Cayendo

EXPOSICIÓN SPARKS. Madrid.

Composición extraída de la obra de video arte “Sentimientos Alternos”.

Expresa en imágenes el refrán de caerse para volverse a levantar. Un estado emocional de auto-superación.

Caerse y volverse a levantar. Foto- secuencia Se hace camino al andar

Arando el conflicto

“Arando el conflicto” es una metáfora sobre el esfuerzo que supone enmendar tu vida. Puedes liberarte de tus recuerdos traumáticos ahondando en ti misma, recapacitando, sintiendo y superando. Representa la idea de labrar tu propio camino.

Arando el conflicto

Libro fotográfico inédito creado por la artista. En venta. 

Integración-Bordando-el-mañana

PINTURA

PINTURA

OBRAS PICTÓRICAS SOBRE TELA O SOPORTE RÍGIDO
La pintura ha sido el medio de expresión primario desde su infancia. Su fuerte motivación a pintar suelos, paredes y objetos ha hecho que sobre soporte, su trabajo haya experimentado una constante evolución. Figura y paisaje, abstracción, volúmen, textura y tacticidad.
Pintura experimental.

PINTURA ESCULTÓRICA

herida-suturada-óleo
Zauria
Abanico-color-óleo-120x80-800€
El ojo que mira

ABSTRACCIÓN

Durante su trayectoria artística, la pintura ha sido uno de los principales medios de creación de la artista, investigando tanto con soportes (creados por ella) como en lo pictórico: Mezcla de materiales, volumen, texturas y el color.

Abstracción
Espiral de duda
Baila!
Maltrato.
Abstracción

FIGURACIÓN

Aunque su investigación ha ido orientada a la abstracción, también realiza obras figurativas de paisaje o la figura humana al natural.
Introspección. Temple
Desnudo soledad. Encáustica
Retrato cubista
Desnudo cálido-frío
Paisaje de Granada
Paisaje de Granada
Paisaje
Venecia
Paisaje Granada
Paisaje Granada

Las temáticas abordan lo social y las normas de la existencia y supervivencia.

Máscara. Miedo
Tiempo y vida
Reflejos. Cortometraje. pre- Zinebi

Reflejos

REFLEJOS

VIDEOARTE

 

Seleccionado Festival Pre- Zinebi.
Expuesto en II. Certámen de Bellas Artes en BEC.
Videoarte que expresa a través de la imagen y el sonido, la claustrofobia que supone sentirse encerrado en uno mismo. Se trata del primer cortometraje experimental de la artista.
Injusticias de clase. IndiaSensations y Art Madrid

Injusticias de Clase- Art Madrid

Injusticias de Clase

“In/be/out side of art” ART MADRID 15.

Exposición accesible para palpar y hacer sentir.

“El arte es para todos, también para el que no puede ver”.

La exposición habla del mal uso del capital, de las injusticias de clase, haciendo alusión al pensamiento pacifista de Ghandi y criticando a la actual sociedad consumista.